Cómo vender obras de arte – consejos para coleccionistas

Por ser hija de un pintor y tener este blog sobre arte mucha gente me pregunta como puede vender sus cuadros y es por eso que decidí hacer este artículo. Algunas veces los coleccionistas de arte se ven en la necesidad de vender sus obras para obtener un poco de dinero y no saben cómo hacerlo.

Si eres un vendedor ocasional este artículo puede serte útil; si eres un artista o alguien que constantemente vende arte recomiendo leer el artículo Cómo vender arte en internet – consejos para artistas.

Antes de comenzar quiero aclarar que no busco vender cuadros de otros artistas, no compro obras de arte para revenderlas, no hago avalúos de obras por internet (aunque mandes la foto), sólo quiero compartir lo aprendido con quien lo necesite.

Para los coleccionistas lo principal es conocer bien qué las características de la obra que desean vender. Información como el nombre del artista, el año en que fue hecha la obra y la técnica empleada es información importante que puede influir en el precio de la venta y por supuesto que esté en buenas condiciones. Si no estás seguro de estos datos aquí están algunas ideas que podrán ayudarte:

22. Bodegón - Camacho
Obra de Gregorio Camacho

1 – LA FIRMA

La firma es una de los aspectos más importantes en un cuadro ya que es lo que certifica que la obra pertenece a determinado artista. Si no conoces el nombre del artista que realizó la obra puedes revisar si está firmada. Algunos artistas utilizan sus firmas reales, mientras que otros hacen uso de un monograma o símbolo que un artista adopta a modo de firma. La firma muchas veces está en la parte inferior de la obra, otras veces está por detrás del cuadro. Si la obra no está firmada puede que el artista no haya terminado la obra o que ésta sea una falsificación. ¿Porqué es importante saber el nombre del artista que realizó la obra? Porque de ahí dependerá el precio en que podrá venderse. Cada artista está ubicado en una categoría de valor donde las obras de algunos, como Picasso, valen millones de dólares. Para saber más de este tema puedes leer Por qué los artistas firman sus obras.

 2 – AVALÚO

Teniendo el nombre del artista puedes revisar en internet otras obras del mismo artista para comparar en que precio se vendieron. Si no se está seguro del artista o el precio de una obra el método tradicional es ir a una galería de arte donde gente experta le dirá el valor de la misma. Lo usual es que si desea el avalúo por escrito se cobre un porcentaje del valor de la obra, si sólo lo quiere en forma verbal es gratis. De todas maneras es bueno decir que el precio de una obra puede variar dependiendo del artista, del estado en que esté el cuadro y del año en que lo haya realizado porque ciertos artistas cotizan en el mercado a precios más altos que otros.

Muchas veces la gente ofrece en venta obras de arte a precios exorbitantes, quienes estén al tanto de los precios sabrán que el precio justo es mucho menor y por lo tanto la obra no se venderá, así que a la hora de colocar el precio para la venta hay que ser sensatos ya que las obras de arte son un artículo que siempre se revaloriza pero no podemos pretender venderlas en una suma exagerada.

 3 – EL ESTADO DE LA OBRA

Lo primero es ver en qué estado está la obra, si esta deteriorada conviene averiguar si es necesario hacer una restauración con un profesional antes de venderla. Otro aspecto importante, en el caso de los cuadros, es el marco: un cuadro se ve mejor con un marco en buen estado mientras que un marco poco agraciado le resta buena imagen a la obra. Hay quienes la venden sin marco, lo cual muchas veces es mejor para el comprador porque así le coloca un marco adecuado a la decoración del lugar donde se va a colocar.

4 – DÓNDE VENDER

Las Galerías: además de hacer exposiciones las galerías de arte también reciben obras para ofrecerlas a su clientela. Por lo general son recibidas en consignación y cuando son vendidas el vendedor cobra una cantidad estipulada de mutuo acuerdo. Es importante saber que las galerías de arte tienen su especialidad, por ejemplo: las hay que sólo venden arte abstracto y moderno, o las que se especializan en figurativo y en maestros de trayectoria. Si, por ejemplo, usted tiene una obra de arte abstracto la recibirán más fácilmente en una galería que se especialice en esa tendencia.

Casas de Subastas: antes de continuar me gustaría hacer una aclaratoria. Mucha gente tiene el concepto errado de que llevar una obra de arte a una Casa de Subastas es como llevarla a un remate en donde la pieza se venderá por una ínfima cantidad de su precio original. Si observamos lo que ocurre en esas grandes casas de Subastas de Londres o Nueva York las obras no sólo se venden en el precio justo sino en mucho más, y no estoy hablando sólo de cuadros de algún artista famoso sino de cualquier obra subastada allí. Las Casas de Subastas hacen el avalúo de la obra y si usted está de acuerdo con el precio se procede a subastarla. Si la obra se vende, la Casa de Subastas cobra un porcentaje del precio final de venta. 

Internet: en el caso de las ventas de arte por internet existen numerosos sitios donde se puede vender arte. Para ello lo más importante es tomar una buena foto por lo que este tutorial puede ayudarte. Es conveniente explicar muy bien las características de la obra a vender de manera que los posibles clientes estén seguros del tipo de obra que se ofrece. Por lo general los sitios de internet cobran un porcentaje del valor de la obra vendida. Hacemos un llamado a la prudencia a la hora de comprar o vender y leer los instructivos sobre cómo vender o cómo realizar una venta segura que ofrecen los sitios de venta por internet.

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Recuperar tesoros antiguos

Es conocido por todos que los museos de grandes ciudades del mundo como Londres, Paris, Berlin, tienen en sus colecciones reliquias históricas del antiguo Egipto, Mesopotamia, Babilonia, Asiria, Grecia y Roma así como de América.

Los paises de donde proceden las reliquias últimamente han hecho grandes esfuerzos por recuperar piezas de gran valor no solo monetario sino histórico y artistico.

Por ejemplo Egipto intenta recuperar la Piedra Roseta que está en Londres en el Museo Británico y que fue la clave para descifrar los jeroglíficos egipcios y el Busto de Nefertiti que se encuentra en el Museo Neues de Berlín. Ésta es una de una larga lista de antigüedades y obras de arte en disputa.

Grecia tiene varios años en conversaciones con el Museo Británico para recuperar los frisos del Partenón que es el monumento más representativo de la ciudad de Atenas y de la cultura griega y el Cilindro de Ciro, una pieza que se remonta a siglo VI a.C. y es considerada la primera declaración del mundo de los derechos del individuo pertenece a Iran y que también está en el Museo Británico, pero las conversaciones para su devolución no parecen fluir muy bien.

El Museo del Louvre por su parte también alberga una gran colección de arte egipcio y helénico que es cuidadosamente mantenida y que se exhibe a miles de turistas anualmente que de otro modo no hubieran podido apreciar este tipo de obras.

La controversia está en si es mejor que éstas antigüedades estén en un museo o en sus países de origen donde es más difícil el acceso a los turistas por cuestiones religiosas, políticas, económicas e inclusive por el idioma.

Video: Cómo fabricar óleo

Excelente video que enseña sobre fabricar óleo del Departamento de Extensión del Museo Thyssen en Madrid.

Un día en El Partenón

Caminar por Plaka, en Atenas, es como estar en una máquina del tiempo. En medio de las tiendas, restaurantes y de la muchedumbre ávida de comprar, uno se puede sentir trasladado hacia el pasado al ver en lo alto de la acrópolis el Partenón e imaginarse cómo habría sido vivir allí siglos atrás. Plaka que es una de las zonas más visitadas por los turistas debido a su cercanía con la Acrópolis. Allí se consigue todo lo que un viajero pueda necesitar: hay muchos hoteles de todos los precios y para todos los gustos, cientos de tiendas con miles de recuerdos y con vendedores que hablan casi todos los idiomas y restaurantes que ofrecen, mayormente, comida griega además de todo tipo de bebidas

Los hechos que a continuación narro ocurrieron un día de julio de 2008 cuando viajé a Atenas junto con la Orquesta Sinfónica de Venezuela ya que ofreceríamos una serie de conciertos en esa ciudad. A pesar de que era un viaje de trabajo y que en nuestro cronograma estaban pautados varios ensayos, tuvimos momentos libres en los que pudimos salir a conocer la ciudad. Estaba pautada una visita guíada al Partenón donde habría un guía que nos explicaría sobre la historia del lugar. Como siempre me ha gustado la historia y el arte ese era un paseo que no me podía perder. El hotel estaba muy cerca de la entrada del Partenón, así que el día de la visita nos fuimos caminando; eran las 10 de la mañana, pero había una temperatura de 28º C propia del verano en ese país.

No sé desde hace cuanto tiempo es así, pero la Acrópolis es como un gran parque temático de la antigüedad: en la entrada hay que comprar unos tickets que sirven sólo para entrar al Partenón y si se quiere visitar otros monumentos hay que comprar otros tickets. Una vez adentro empieza el trayecto de subida a la cima de la montaña, son las 11 de la mañana y la temperatura ya está en 30º C. Nuestro guía explica: “Los griegos de la antigüedad construían las ciudades en lo alto de una colina de manera de poder defenderse del enemigo en caso de guerra, esto es lo que se conoce como acrópolis. En la parte más alta de la acrópolis de Atenas se encuentra El Partenón, templo dedicado a la diosa Atenea que, además de darle el nombre a la ciudad, es su protectora.”

Hay muchos turistas subiendo. Delante de nosotros hay un grupo de la tercera edad que sube pero lo hacen muy lentamente por lo que debemos detenernos varias veces a esperar. Mientras tanto al guía le da tiempo de explicar: “El Partenón es un templo que se construyó en el siglo V entre los años 448 y 438 a.C bajo el mandato de Pericles para sustituir un templo anterior que había sido destruido por los persas. Los arquitectos Ictinos y Calícrates, supervisados por Fidias, utilizaron el mármol blanco como principal material para la construcción de este templo que contenía una escultura de la diosa Atenea de 12 metros de altura hecha de oro y marfil y adornada con relieves de diversas figuras, que ahora está perdida, pero cuya descripción hace Pausanias en el siglo II a.C.”.

Seguimos subiendo. Ya son las 12 del mediodía y creo que hay como 35º C, o eso parece, y ya no escucho al guía por el calor y el cansancio. Luego de subir varias decenas de escalones, tal vez cientos, por fin vemos unas grandes columnas que se elevan varios metros sobre las cabezas de los visitantes y que no soportan ninguna construcción sobre ellas. Andamios por todos lados indican trabajos de restauración en progreso para estas columnas llamadas propileos o ante puertas que nunca fueron terminadas pero que tenían el objetivo de indicar al visitante la importancia del lugar al que se está entrando. Una vez en la cima aparece, majestuoso, aunque muy golpeado por el tiempo, el templo de Atenea. Nos encontramos otra vez con grúas y andamios para restaurarlo y para entorpecer las fotos de los cientos de turistas que suben, bajan, toman fotos en todas direcciones, comentan, filman videos, revisan sus guías de viaje, se fotografían entre ellos, en fin, todo es bullicio y actividad pero siempre tratando de captar la esencia y el más mínimo detalle del lugar y tratando de imaginar cuan asombroso debe haber sido para las personas de su época estando este monumento en todo su esplendor.

Todo turista busca llevarse un recuerdo del lugar visitado, además de las postales y souvenirs, mi recuerdo más preciado son las fotos. Tomé muchas fotos del Partenón desde todos los ángulos, tomé fotos de Atenas ya que desde la cima de la acrópolis se puede ver la gran extensión de la ciudad, le pedí a un compañero que me tomara una foto con el Partenón al fondo (la del Facebook), yo tomé fotos a otros, y en ese momento sentimos que todo el esfuerzo y el calor valieron la pena.

Tiempo después me enteré, mientras visitaba el Museo Británico en Londres, que el frontón se encontraba adornado por esculturas alegóricas de temas mitológicos como centauros los cuales fueron removidos en el siglo XIX por Thomas Bruce, Conde de Elgin, y llevados a Inglaterra donde se exhiben en la actualidad por el Museo Británico siendo tema de polémica ya que, aunque la intención original era protegerlos de la intemperie, el gobierno griego piensa que es mejor que estén en Grecia y no en Londres.

Regreso a Caracas y sigo fascinada por el Partenón y su historia. Investigando en los libros de historia del arte de la biblioteca de mi papá consigo que El Partenón fue hecho para deslumbrar a la gente de su época como una muestra del poderío de Atenas que por aquel entonces era la ciudad más importante de todas las ciudades-estado griegas. En 1687 Atenas estaba dominada por los turcos quienes utilizaron el templo como depósito de pólvora estando sitiados por los venecianos quienes dispararon una bala de cañón que cayó dentro del templo provocando la explosión de la pólvora que estaba depositada allí ocasionando graves daños a la estructura del mismo. A pesar de no conservar su esplendor original El Partenón hoy en día continúa asombrándonos y nos hace pensar cómo pudo ser construida esta obra de tan colosal tamaño con las herramientas tan simples que se usaban en la antigüedad.

Originalmente construido como templo para la diosa Atenea, luego usado como iglesia bizantina y como mezquita el Partenón sigue siendo una de las edificaciones antiguas más famosas y el símbolo de Atenas por excelencia.

Land art, arte ecológico y Vik Muniz

land art


Arte y ecología. Dos conceptos alejados por tantos años, se unen a la luz de los nuevos tiempos en los que el exceso está a la vuelta de la esquina. En esta sociedad moderna que avanza a gran velocidad y donde, según Gay Talese, “la nueva tecnología se envejecía tan rápidamente que siempre estaba al borde de convertirse en una mera contradicción de términos”, existen artistas que dan nueva vida a objetos que otros llaman “desechos”.

Decidí investigar sobre estas corrientes artísticas motivada por la curiosidad de saber qué otros usos podemos darle a los desechos y cómo la visión de un artista puede transformar los materiales de algo sin valor a una obra de arte. Es así como descubrí que existen dos corrientes enfocadas en la naturaleza y el arte: la primera modifica la naturaleza y la segunda transforma los materiales desechados en arte. Luego descubrí a Vik Muniz.

El land art o arte de la tierra, es una corriente artística contemporánea que utiliza la naturaleza, como lo haría un pintor con un lienzo, para realizar una obra de arte. Aunque manipula los elementos de la naturaleza no busca maltratar el medio ambiente sino más bien crear una conciencia ecológica en el espectador alterando, de manera artística, el paisaje para producir el máximo de efectos y sensaciones en el observador.

El artista crea la obra en la naturaleza consciente de su carácter efímero ya que los materiales usados -agua, fuego, piedras, hojas, arena- son biodegradables, y por su ubicación en espacios abiertos tarde o temprano sufrirá por la erosión producida por el viento o el agua. Es de gran importancia en el Land Art que el proceso creativo y la obra final sean fotografiados o filmados debido al carácter fugaz de estas intervenciones.

El land art se diferencia del arte ecológico en que el primero usa la naturaleza como materia prima y el segundo utiliza materiales de desecho para reciclarlos en obras de arte, aunque ambos buscan formar un conciencia del medio ambiente en el espectador. El artista debe adecuarse a las posibilidades que le brinde cada material y crear una obra que resulte estéticamente bella pero con el añadido de ser amigable con el medio ambiente. Los materiales utilizados para una obra de arte hecha con material reciclado transforman su esencia y se mimetizan en lo estético, perdiendo su función utilitaria y sin tener en cuanta para que fue utilizado anteriormente.

Cada vez son más los artistas que se suman a esta tendencia buscando crear conciencia del daño ambiental, del consumo excesivo y darle una segunda oportunidad a todo ese material que, con un poco de creatividad se puede convertir en una obra de arte. Por ejemplo tenemos a Patricio Salinas quien utiliza metales para hacer sus obras, Chris Gilmour que las hace de cartón, Ana Ribarich y su blog Hecho de desechosSean Avery y sus esculturas de animales hechos con discos compactos y Bryan Dettmer convierte libros en esculturas.

Pero en Brasil hay un artista que llevó esto un paso más allá y añadió también el tema social a su obra, se trata de Vik Muniz. Lo descubrí a raíz de su documental Waste Land donde registra toda la experiencia de su proyecto con basura y de su intensión de mejorar las vidas de quienes sobreviven en medio de ella en Río de Janeiro.

Desde mi punto de vista la obra de Muniz agrupa las dos corrientes anteriormente descritas: utiliza materiales de desecho -como en el arte ecológico- que dispuestos de cierta manera dejan de percibirse para la función utilitaria para la que fueron hechos y conforman parte de la obra de arte que, por su carácter efímero -como en el Land art- es inmortalizada por medio de la fotografía. A esto se le añade el aspecto social captado en el documental que complementa la parte artística.

Comparto parte del artículo de la Revista Cromos Vik Muniz, el brasileño que hace arte con basura.

“Vik Muniz convierte la basura en arte. Contrario a los artistas de marras, que recurren al lápiz, al pincel, al óleo o a la acuarela, el brasileño se vale de latas oxidadas, llantas desinfladas, botellas de gaseosa desocupadas y tapas de inodoros desechadas para construir imágenes poéticas y enigmáticas que, vistas desde lejos, parecen creadas por un dibujante cualquiera. De cerca, sin embargo, revelan que fueron armadas por una mente audaz, interesada en reflexionar sobre el poder que tiene el arte para crear ilusiones y el interés del espectador en creer en ellas.

Vik Muniz arte
Vik Muniz arte

Muniz pasó tres años en el vertedero más grande del mundo, ubicado en Río de Janeiro, para crear su serie Imágenes de basura (2008). Allí conoció a un grupo de personas que sobrevivían vendiendo los materiales reciclables que encontraban en el basurero. Era gente que existía en medio de los deshechos de otra gente. Muniz tuvo una idea: cambiar la vida de esas personas con los mismos materiales con los que trabajaban. Tomó fotos de los recicladores en medio del vertedero y luego las reconstruyó utilizando los objetos que ellos recolectaban. Después las fotografió, las enmarcó y las puso a la venta. Uno de los recicladores estuvo presente en la subasta en la que su imagen fue vendida en 50 000 dólares. Al oír la cifra, el humilde joven no pudo contener el llanto. El retrato, que revelaba tanto la dignidad como la desesperación de su oficio, transformaría su vida, ya que todas las ganancias fueron para él y sus colegas. Muniz, embajador de buena  voluntad de la ONU, no solo trabaja con basura. Para él, cualquier material tiene el potencial de convertirse en arte y transformar la manera en que las personas ven el mundo: alambre, hilo, chocolate, tierra, polvo, caviar, diamantes, algodón… La obra de Muniz es tan ingeniosa e insólita que lo ha convertido en uno de los artistas contemporáneos más llamativos de nuestro tiempo. Su trabajo hace parte de colecciones en Nueva York, Washington, Londres, Tokio, Madrid y París, entre muchas otras.”

Actualización junio 2015

Arte y locura

Comparto este texto que amablemente me facilitó el Maestro venezolano Esteban Castillo:

ARTE Y LOCURA
Cuando en 1864, Cesare Lombroso (Francia 1835-1909) publicó la obra “ Genio y locura”, analizaba la relación entre los artistas, sus creaciones y las enfermedades mentales, en ella, Lombroso asocia, arte, criminalidad y locura. Al comienzo del siglo XX, (1922) el psiquiatra Hans Prinzhorn, en Paris, va a estudiar en el psiquiátrico, los dibujos y pinturas que los enfermos mentales realizaban en el Hospital Sainte Ana. Estos documentos nos muestran unas obras llenas de fantasmas. Las pinturas y dibujos realizados en plena crisis paranoica o esquizofrénica; el “artista” no sigue una línea de evolución plástica y la imagen esta relacionada con sus conflictos internos. Varias décadas después, artistas como Paul Klee et Jean Dubuffet se interesaron por estudiar estas “obras.” Sigmund Freud (1856-1939) analizó algunas obras, pinturas y esculturas, pero él mismo manifestó que no conocía mucho de arte y, más bien partió de los temas tratando o analizando el tema escogido por el artista. Algunos movimientos artísticos se nutrieron del psicoanálisis, sobre todo el Dadaísmo y el Surrealismo, ya que los artistas reflejaban lo onírico y trataban de plasmar imágenes del subconsciente mediante la asociación libre. Pero no podemos negarlo, en diferentes épocas han existido artistas que han pasado por estados sicóticos por ejemplo: Goya, Van Gogh, Reverón y otros. A pesar de que Van Gogh realizó sus obras entre los años 1880 a 1890, y Reverón entre los años 1908 a 1954, los une su gran deseo de expresarse a pesar de los problemas económicos y de los trastornos sicóticos.

En Venezuela, cuando hablamos de locura y arte, la imagen que se nos viene inmediatamente es Armando Reverón (1884-1954) ¿Pero hasta dónde tiene que ver la esquizofrenia o la paranoia con el arte? Cuando vemos la obra de Vicent Van Gogh (1853-1890) y observamos con detenimiento sus comienzos, por Ejem: “Los comedores de papas”, los retratos que hizo de “ Le Pere Tanguy”, los paisajes, esos maravillosos “Girasoles” pintados para recibir a su amigo Paul Gauguin, en Arles, Francia, encontramos un gran conocimiento de un artista que desarrolla su obra con un gran frenesí y consciente de su evolución. Ese “ loco,” el loco de “La casa amarilla” como era apodado el lugar donde vivía. Conocedor del arte, había trabajado en Londres en la galería Goupil como vendedor de cuadros, hablaba francés, alemán, holandés e inglés y era un gran lector y escritor. Sus cartas con su hermano Theo, son documentos vivenciales donde le manifiesta sus logros en sus cuadros. Hace comentarios sobre los libros que está leyendo, que dan prueba de una gran sensibilidad; en algunas de ellas habla de sus estados anímicos. Pero la vida que había llevado tratando de decir las cosas de “otra manera,” y habiendo fracasado en otras actividades entre ellas la de pastor protestante, habiendo sido un frustrado en el amor, como marchand de arte, el excesivo vino y café; fumaba mucho y comía poco; todo ese entorno lo va llevando a un gran desequilibrio. En los últimos años fueron de grandes crisis. Es el momento que se corta la oreja para enviársela de regalo a una prostituta. ¿Pero es qué Van Gogh trabajaba en los momentos de crisis?.. No.. Al arte no le gusta la locura, y esos estados bipolares, se dividen entre creatividad y crisis. La vida de Van Gogh está llena de historias y los psiquiatras no se han puesto de acuerdo sobre la enfermedad mental que padecía.

Aquí en Venezuela hemos hablado mucho de la locura de Reverón. Cuando seguimos el camino trazado por Reverón desde la Época Azul, influenciado por Nicolás Ferdinandov, en las obras “Procesión” o “La cueva”, se nota un acercamiento al impresionismo. Las obras de la Etapa Blanca llena de luz y con apenas unas pinceladas de blanco nos muestran el sol tropical, vemos las palmeras y sentimos casi el oleaje, pero, sin ser una copia de la naturaleza. Ese mundo que Reverón comparte con Juanita y su mono Pancho, sus muñecas, sus pinceles, sus telas, sus colores, en ese entorno que él mismo ha construido, esos objetos llenos de una gran frescura casi infantil, donde nos insinúa, un piano, una pajarera, un acordeón… Pero de repente aparecen crisis esquizoide, y tiene que recurrir a la clínica. En la Etapa Blanca llena de fuerza, no hay fantasmas de un enfermo mental plasmado en la tela. La Etapa Sepia, donde en algunos cuadros aparece acostado en la hamaca y al lado Juanita, es una obra coherente, cada pincelada está puesta en su lugar, no se ve ningún reflejo de locura en esos trazos. Hay una evolución constante en su obra. En el año 1954 fue llevado a la clínica, un médico que se ocupó de él lo atiende y le ofrece lápices y papel para que dibuje, y él respondió: “Ahorita no puedo pintar”, “Ahorita, tenemos que hablar” después de dialogar un poco pudo dibujar el jardín del hospital y realizó retratos de algunos pacientes.

Es verdad, tiene que haber locura, amor y pasión para hacer Arte, pero el “arte” de los enfermos mentales es totalmente diferente y al curarse no pintan más, y la “locura” de pintar no se cura, se desarrolla y evoluciona hacia formas cada vez más libres y puras. A pesar de que estas obras están hechas por artistas que sufren de trastornos mentales, sus obras reflejan una búsqueda plástica y se nota una evolución en ellas. Hoy hablamos de bipolaridad y hay medicamentos que pueden curar los trastornos mentales sin afectar la creatividad. Felizmente estos artistas en momentos de lucidez realizaron obras maravillosas, como esos azules, blancos y sepias de Reverón en sus paisajes y figuras, y esos amarillos y muchos colores de Van Gogh en los paisajes, retratos y en “Los Girasoles”…Van Gogh pintando en el mediodía francés, en el pueblo de Arles, trabajando y viviendo en “La casa amarilla” y Reverón en su “Castillete”en Macuto, produciendo su obra.

Fui al Castillete en la década de los 60 y conocí a Juanita, quien me dijo: “No tengo nada que vender,” y yo le contesté: “Que lo que quería era visitar El Castillete,” me sentí regocijado de pasearme un poco en ese lugar lleno de historias y de creatividad. Años después me di una vuelta por Arles (Francia) y caminé por las calles que una vez sintieron sus pisadas, y vieron pasar al pelirrojo Vincent Van Gogh. La verdad es que eran locos, pero de una gran lucidez.

Ahí están sus obras y hoy cuando nos acercamos y las admiramos, comprendemos mejor sus formas de pintar. Hemos madurado visualmente. Hoy podemos descifrar o entender esos códigos, esas escrituras, esos colores, esas pinceladas que no comprendíamos años atrás. Hoy podemos ver “Los Girasoles,” antes eran “manchas” de colores. El público de esa época estaba acostumbrado a una pintura marrón y oscura. Tanto uno, como el otro adelantaron su tiempo. Los impresionistas y post impresionistas aportaron la luz, Armando Reverón, y Vincent Van Gogh fueron más allá de la búsqueda de la luz.

¿Entonces fueron locos o visionarios?, pero no todos los locos llegan a utilizar el pincel y los colores para expresarse, ni todos los pintores sufren de trastornos sicóticos… porque el Arte y la locura en algunos artistas andan por caminos diferentes, y que me perdone Cesare Lombroso.”

Esteban Castillo.

“Vivir del cuento” o el arte como forma de vida

Soy artista, estudié muchos años música en un conservatorio y trabajo como violinista en una orquesta sinfónica. y quiero comenzar este nuevo blog contándoles una situación que seguramente a mis colegas músicos también les ha ocurrido. Se trata de ver las reacciones de la gente cuando le digo a alguien -que no está relacionado con el mundo artístico- en dónde trabajo, me hacen la pregunta: “¿Y qué más haces a parte de la música?”, refiriéndose a que ése es mi pasatiempo y quieren saber cuál es mi profesión “verdadera”. Al responder que esa es mi única profesión la siguiente pregunta es: “¿y por eso te pagan?”.

Preguntas como las anteriores surgen por la idea errónea que se tiene de que para ser artista no se necesita estudiar, gente que cree que por inspiración divina surgen las grandes obras de arte y que por lo tanto no tienen ningún valor, por lo que hay gente que piensa que quien es artista “vive del cuento”. Puedo asegurar que esta idea es errónea y que la realidad es todo lo contrario ya que la vida del artista es una vida sacrificada, de estudio, trabajo, constancia, paciencia y eso sólo se logra con amor por lo que se hace y no por arte de magia como creen algunos. Bien lo sabía Picasso y lo dejó plasmado en la frase que ilustra este artículo.

La sociedad se expresa mediante la cultura a través de escritores, artistas plásticos, bailarines, músicos y actores quienes dedican su vida al arte mientras educan, entretienen y despiertan la curiosidad en otros.