Historia de la música de cine

La unión entre la música y las artes escénicas se originó mucho antes de la invención del cine en espectáculos, como la ópera, que combinaban la música con lo teatral. Creada en el Renacimiento por un grupo de intelectuales llamado la Camerata Florentina, la ópera fue concebida como la obra que integraría todas las artes en una misma representación. Llegado el siglo XX el cine ocupó el lugar que anteriormente tenía la ópera como la gran obra y a la que el público acudía masivamente. La música que se comienza a utilizar para acompañar las películas no surge repentinamente con la invención del cine, sino que toma elementos musicales que ya se venían utilizando en la ópera.

Para lograr una invención como el cine, fueron necesarios una serie de avances técnicos que produjeron la tecnología necesaria para conseguir la ilusión óptica del movimiento. Algunos de los inventos previos al cine son reseñados por Georges Sadoul en su libro Historia del cine mundial, a saber: el daguerrotipo — desarrollado por Nicéphore Niepce y patentado por Louis Daguerre en Francia en 1839 — y el fonógrafo desarrollado por Thomas Alva Edison en 1877. En 1895 Edison patenta el kinetófono, aparato capaz de reproducir imágenes en movimiento con sonido. Ese mismo año los hermanos Auguste y Louis Lumiere, en Francia, presentan al público el cinematógrafo

Michel Chion, en su libro La música en el cine, señala que una vez popularizado el invento se hizo necesario un acompañamiento musical para el cine mudo, que era realizado por agrupaciones de músicos en vivo que tocaban en cada función. La música se hizo necesaria para evitar las distracciones producidas por el ruido del proyector, además de otros ruidos como los comentarios del público, que no estaba acostumbrado observar en silencio un espectáculo carente de actores reales. En 1909 se comienza a publicar música sugerida para cada escena del filme llamada cue sheet lo cual facilitaba a los músicos el trabajo de tener que seleccionar la música adecuada para el clima de cada escena. 

En la búsqueda de una coincidencia perfecta de la imagen y el sonido surge la tecnología sound on disc, sistema amplificado del sonido en el que se podía reproducir un disco grabado sincronizado con la película. Este sistema sólo fue posible una vez que se implementa la electricidad en las ciudades. Chion señala que uno de estos sistemas de sincronización de imagen y sonido era el Vitaphone, desarrollado 1926 por la Warner Brothers. De esta época la película más importante fue The Jazz Singer (1927) ya que fue uno de los primeros largometrajes con sonido sincronizado que además incluyó un breve diálogo pero que causó gran impacto en el público. Alrededor de 1930 surgen las primeras orquestas dedicadas a grabar música para películas.

En la década de 1930 se dan avances tanto en lo musical como en materia tecnológica. Pablo Mérida, en el libro El Cine, destaca dos filmes que se consideran como máximos representantes de este período: Las aventuras de Robin Hood (1938) y Lo que el viento se llevó (1939). Estas películas sobresalieron no sólo por ser los primeros largometrajes con sonido y color sino también por su música, compuesta por Erich Korngold y Max Steiner respectivamente.

Con el desarrollo del cine sonoro surgió el problema del balance entre el volumen de los diálogos y el volumen de la música, que se solucionó con la creación de una máquina llamada up-and-downer en 1934 y que permitía disminuir el volumen de la música al momento de los diálogos. Según Chion en esta época se establecieron las reglas clásicas de la música de cine — que se siguen usando hoy en día — como usar la música para intensificar la acción o para señalar el inicio o el fin de una secuencia.

La autora Ashley Shepherd describe en el libro ProTools for video, film, and multimedia los distintos formatos que se utilizaron para grabar sonido para películas a partir de la década de 1950 que son el Cinerama, el Cinemascope, el Warnerphonic y el Todd-AO. A partir de 1976 se comenzó a utilizar el formato Dolby Stereo y a partir de 1992 surgen los formatos digitales como el Dolby Digital, el DTS y el SDDS. Con cada uno de estos formatos se obtuvieron mejoras en la calidad de sonido y más facilidades para la grabación.

Haciendo un breve repaso a la cronología de películas que presenta Michel Chion en el libro antes mencionado, encontramos que una película que destacó por sus innovaciones técnicas y narrativas fue Ciudadano Kane (1941). Esta película contó con música de Bernard Herrmann, mismo compositor que trabajaría en 1960 en la película Psicosis cuya escena de la ducha hace un uso magistral de la música. En 1961 destaca la película Breakfast at Tiffany’s con música de Henry Mancini, músico de suma importancia en el mundo del film scoring. En 1966 se presenta en las salas El bueno, el feo y el malo con música de Ennio Morricone cuyo extenso trabajo debe ser tomado como referencia obligada en la música para películas. 

En 1960 se presenta en las salas la película Espartaco con música de Alex North y dirigida por el entonces joven director estadounidense Stanley Kubrick, quien incursionó en el cine habiéndose desempeñado previamente como fotografo. Películas de su autoría como Lolita (1962), El resplandor (1980) o 2001: Una odisea del espacio (1968)han influido enormemente en producciones de cine posteriores. En su película La Naranja Mecánica (1971) destaca la utilización de las versiones realizadas en sintetizador por Wendy (Walter) Carlos de obras de compositores académicos. 

Una de las películas que destaca por tener un tema principal reconocible por el público es El Padrino (1972) con música escrita por Nino Rota, pero sin duda el compositor que más afamados temas tiene es John Williams, quien escribió la célebre música de La guerra de la galaxias, Episodio IV (1977), Tiburón (1975) e Indiana Jones sólo por nombrar algunos. También destacan los trabajos de Alan Silvestri en Volver al futuro (1985) y James Horner con Titanic (1997).

Ashley Shepherd — en el libro mencionado previamente — señala que a partir de 1999 se comienzan a usar formatos digitales conocidos como DAW o Digital Audio Workstation que son los más utilizados en la actualidad. Con la llegada de la era digital se refina el proceso de grabación y se comienza a crear música con una mezcla de instrumentos sintetizados y reales. La autora afirma que una de las primeras películas en utilizar este tipo de formatos fue La guerra de la galaxias, Episodio I (1999). En la página IMdb.com encontramos como ejemplo de esto el score realizado por la agrupación Daft Punk para la película Tron: Legacy (2010), que usa un estilo mayormente electrónico pero sin dejar de usar instrumentos reales.

Isabel Camacho.

REFERENCIAS

  • CHION, Michel. – (1997). La música en el cine. Ediciones Paidós. Barcelona, España.
  • IMDB.COM. Tron: Legacy. Full Cast & Crew. https://www.imdb.com/title/tt1104001/fullcredits?ref_=tt_ov_wr#writers/. Consulta: 4/Dic/2019.
  • MÉRIDA, Pablo. – (2003). El Cine. Editorial Larousse. Barcelona, España.
  • SADOUL, Georges. – (1987). Historia del cine mundial. Desde los orígenes hasta nuestros días. Siglo XXI Editores. México.
  • SHEPHERD, Ashley. – (2008). ProTools for video, film, and multimedia. p. 7 – 8. Course Technology. Estados Unidos.

Música clásica en solitario

En la actualidad, la pandemia del coronavirus ha obligado al aislamiento social como manera de prevención del contagio ocasionando la cancelación de innumerables eventos musicales en todo el mundo. Este inesperado suceso ha llevado a los músicos a reflexionar sobre la mejor manera de aplicar el distanciamiento social en una forma de arte que requiere, no sólo de varios intérpretes, sino de la interacción con el público para su plena expresión.

Cuando asistimos a un concierto de música clásica, generalmente, presenciamos la ejecución de varios músicos que tocan en ensamble, los cuales pueden ir desde un duo a una orquesta sinfónica. Esto se debe a que los instrumentos, sonando a la vez, crean los tres elementos fundamentales que conforman la música: melodía, ritmo y armonía. La gran mayoría de los instrumentos están concebidos para tocar en ensamble, con excepciones como el piano, el arpa o la guitarra que son capaces de tocar perfectamente solos.

En el caso de la música clásica, aumentar la distancia entre instrumentistas afecta el buen desempeño del ensamble, por lo que el distanciamiento de los músicos en escena no es una opción. En consecuencia, los músicos clásicos deben pensar en disminuir la cantidad de músicos en escena como una manera de reducir las posibilidades de contagio. 

En la música popular son comunes los acompañamientos virtuales o las máquinas que crean loops y permiten la grabación de un acompañamiento en vivo. Este tipo de aparatos —que normalmente están alejados de las salas de conciertos de música clásica— tal vez serán más frecuentes en un futuro no muy lejano. Seguramente, también habrá un incremento en los conciertos de agrupaciones de cámara como cuartetos de cámara o quintetos de vientos en lugar de conciertos de orquestales.

En las redes sociales hemos visto en los últimos meses músicos que, desde el confinamiento, se unen a otros músicos para tocar una pieza musical. Cada músico graba su parte que posteriormente se unirá en la postproducción del video con los otros instrumentos para crear un ensamble virtual. Estos videos de ensambles musicales virtuales cumplen el objetivo de tocar la obra, pero carecen de la magia que se aprecia en los conciertos en vivo, no sólo por la falta del contacto directo con otros músicos, sino por la falta de contacto con el público.

Entre los músicos se dice que un concierto sin público no es más que ensayo, ya que las reacciones de la audiencia al momento de la interpretación son importantes para los músicos en escena. Así lo afirma la pianista china Yuja Wang en una entrevista para el periódico español La Vanguardia cuando dice: “Es muy distinto hacer algo online: no percibes la acústica de las magníficas salas, ni tampoco los alrededores en la ciudad, ni la interacción con la orquesta y el director. Pero sobre todo la electricidad y la energía que te llega del público, no importa que esté en la penumbra”. 

En los últimos meses hemos visto innumerables videos de músicos compartiendo su arte por las redes sociales lo que, ciertamente, ayuda a mantener el contacto entre los artistas y su público pero, aunque existen varias formas de reaccionar a esos videos como compartirlo con los amigos, hacer click en el botón “Me Gusta” o escribir un comentario, ciertamente el contacto directo con el público es un factor fundamental en la experiencia de hacer música. Sólo el tiempo dirá cómo el sector de la música clásica podrá afrontar esta nueva situación.

Isabel Camacho.

Referencias: