Cómo vender obras de arte – consejos para coleccionistas

Por ser hija de un pintor y tener este blog sobre arte mucha gente me pregunta como puede vender sus cuadros y es por eso que decidí hacer este artículo. Algunas veces los coleccionistas de arte se ven en la necesidad de vender sus obras para obtener un poco de dinero y no saben cómo hacerlo.

Si eres un vendedor ocasional este artículo puede serte útil; si eres un artista o alguien que constantemente vende arte recomiendo leer el artículo Cómo vender arte en internet – consejos para artistas.

Antes de comenzar quiero aclarar que no busco vender cuadros de otros artistas, no compro obras de arte para revenderlas, no hago avalúos de obras por internet (aunque mandes la foto), sólo quiero compartir lo aprendido con quien lo necesite.

Para los coleccionistas lo principal es conocer bien qué las características de la obra que desean vender. Información como el nombre del artista, el año en que fue hecha la obra y la técnica empleada es información importante que puede influir en el precio de la venta y por supuesto que esté en buenas condiciones. Si no estás seguro de estos datos aquí están algunas ideas que podrán ayudarte:

22. Bodegón - Camacho
Obra de Gregorio Camacho

1 – LA FIRMA

La firma es una de los aspectos más importantes en un cuadro ya que es lo que certifica que la obra pertenece a determinado artista. Si no conoces el nombre del artista que realizó la obra puedes revisar si está firmada. Algunos artistas utilizan sus firmas reales, mientras que otros hacen uso de un monograma o símbolo que un artista adopta a modo de firma. La firma muchas veces está en la parte inferior de la obra, otras veces está por detrás del cuadro. Si la obra no está firmada puede que el artista no haya terminado la obra o que ésta sea una falsificación. ¿Porqué es importante saber el nombre del artista que realizó la obra? Porque de ahí dependerá el precio en que podrá venderse. Cada artista está ubicado en una categoría de valor donde las obras de algunos, como Picasso, valen millones de dólares. Para saber más de este tema puedes leer Por qué los artistas firman sus obras.

 2 – AVALÚO

Teniendo el nombre del artista puedes revisar en internet otras obras del mismo artista para comparar en que precio se vendieron. Si no se está seguro del artista o el precio de una obra el método tradicional es ir a una galería de arte donde gente experta le dirá el valor de la misma. Lo usual es que si desea el avalúo por escrito se cobre un porcentaje del valor de la obra, si sólo lo quiere en forma verbal es gratis. De todas maneras es bueno decir que el precio de una obra puede variar dependiendo del artista, del estado en que esté el cuadro y del año en que lo haya realizado porque ciertos artistas cotizan en el mercado a precios más altos que otros.

Muchas veces la gente ofrece en venta obras de arte a precios exorbitantes, quienes estén al tanto de los precios sabrán que el precio justo es mucho menor y por lo tanto la obra no se venderá, así que a la hora de colocar el precio para la venta hay que ser sensatos ya que las obras de arte son un artículo que siempre se revaloriza pero no podemos pretender venderlas en una suma exagerada.

 3 – EL ESTADO DE LA OBRA

Lo primero es ver en qué estado está la obra, si esta deteriorada conviene averiguar si es necesario hacer una restauración con un profesional antes de venderla. Otro aspecto importante, en el caso de los cuadros, es el marco: un cuadro se ve mejor con un marco en buen estado mientras que un marco poco agraciado le resta buena imagen a la obra. Hay quienes la venden sin marco, lo cual muchas veces es mejor para el comprador porque así le coloca un marco adecuado a la decoración del lugar donde se va a colocar.

4 – DÓNDE VENDER

Las Galerías: además de hacer exposiciones las galerías de arte también reciben obras para ofrecerlas a su clientela. Por lo general son recibidas en consignación y cuando son vendidas el vendedor cobra una cantidad estipulada de mutuo acuerdo. Es importante saber que las galerías de arte tienen su especialidad, por ejemplo: las hay que sólo venden arte abstracto y moderno, o las que se especializan en figurativo y en maestros de trayectoria. Si, por ejemplo, usted tiene una obra de arte abstracto la recibirán más fácilmente en una galería que se especialice en esa tendencia.

Casas de Subastas: antes de continuar me gustaría hacer una aclaratoria. Mucha gente tiene el concepto errado de que llevar una obra de arte a una Casa de Subastas es como llevarla a un remate en donde la pieza se venderá por una ínfima cantidad de su precio original. Si observamos lo que ocurre en esas grandes casas de Subastas de Londres o Nueva York las obras no sólo se venden en el precio justo sino en mucho más, y no estoy hablando sólo de cuadros de algún artista famoso sino de cualquier obra subastada allí. Las Casas de Subastas hacen el avalúo de la obra y si usted está de acuerdo con el precio se procede a subastarla. Si la obra se vende, la Casa de Subastas cobra un porcentaje del precio final de venta. 

Internet: en el caso de las ventas de arte por internet existen numerosos sitios donde se puede vender arte. Para ello lo más importante es tomar una buena foto por lo que este tutorial puede ayudarte. Es conveniente explicar muy bien las características de la obra a vender de manera que los posibles clientes estén seguros del tipo de obra que se ofrece. Por lo general los sitios de internet cobran un porcentaje del valor de la obra vendida. Hacemos un llamado a la prudencia a la hora de comprar o vender y leer los instructivos sobre cómo vender o cómo realizar una venta segura que ofrecen los sitios de venta por internet.

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Museo Criollo Raúl Santana – Caracas

Museo Santana

En una de las salas de la planta baja del Concejo Municipal de Caracas, en la Plaza Bolívar, en el casco histórico de la ciudad se encuentra el Museo Criollo Raúl Santana. El Maestro Santana hizo representaciones de todos aquellos personajes, manifestaciones artísticas o populares de la Caracas de principios del siglo XX. Aquí podemos encontrar una imprenta, un baile de joropo, las comida típica navideña o los postres y dulces criollos todos ellos en figuras hechas a mano por el mismo Santana.

Luego de muchos intentos fallidos por parte del maestro Santana por encontrar un lugar para exhibir su colección, ésta por fin consigue un espacio para permanecer fija ser mostrada al público. En 1981  Gregorio Camacho, quien para ese entonces se desempeñaba como Director de Museos del Consejo Municipal de Caracas, cede una de las salas de la planta baja del Consejo Municipal para exhibir esta colección dada su importancia para la preservación del recuerdo de las tradiciones de principios del siglo XX y por su valor como trabajo artesanal.

SANTANA MOLLER, Raúl

Museo Santana

Nace en Caracas el 13 de Febrero de 1893. Pintor, escultor y tallista costumbrista, creador de las figuras que integran el Museo Criollo Raúl Santana. Hijo de Juan Santana De León y de Sofía Moller. Inicia sus estudios de escultura en 1911, en el Instituto Nacional de Bellas Artes de Caracas. En 1915 viaja a España a estudiar pintura, cursando estudios en Barcelona con Francisco Labarta y Joaquin Mir. Asu regreso a Venezuela (1917) cultiva la pintura, el dibujo y la escultura. Desarrolla también su actividad artística a través de la caricatura donde firma con el seudónimo de “Santico”. El 28 de octubre de 1919 se inaugura el Primer Salón de Humoristas de Venezuela, exposición que organiza junto con Edgar Anzola. En él participa con caricaturas y con sus primeros muñecos o esculturas humorísticas. Viaja a los Estados Unidos para estudiar fotograbado y regresa a Caracas a fines de 1920 e instala un taller gráfico. En 1931 se organiza un Segundo Salón de Humoristas al que envía, fuera de concurso, un buen número de caricaturas, muñecos y animales célebres de Venezuela. La muestra era parte de un trabajo realizado durante más de 30 años en donde el artista creó un mundo mágicoen el que están representados aspectos de la historia y del folklore musical venezolano, junto con personajes en figuras y piezas, todas a escala (1 m = 16 cms) utilizando para ello materiales diversos, especialmente la madera de cedro. Creó más de 2000 figuras y, entre los motivos de su creación, figuran granjerías criollas, utencilios del hogar, escenas de una barbería y de una bodega caraqueña de pricipios de siglo; inició su colección con la figura de “Juan Bimba”. En 1958, Santana ofreció su gran colección al Consejo Municipal con el fin de exponerla en un lugar apropiado para que fuese conocida por el pueblo, pero no logró su objetivo. Más tarde el 23 de Julio de 1963, el Consejo Municipal de Caracas le concedió un Diploma al Mérito y fué a mediados de 1966 cuando recibió una comunicación del Ministerio de Obras Públicas notificandole que la proyectada casa para su Museo al fin parecía ser un hecho, aunque esta promesa no se cumplió; sus figuras se encuentran expuestas en una de las salas del Consejo Municipal de Caracas. Muere en Caracas el 29 de Agosto de 1966.

Fuente | Diccionario de Historia de Venezuela. p. 546, Tomo P – Z. Fundación Polar. Caracas, 1988.

Arturo Michelena

Arturo Michelena nació en Valencia, Venezuela, el 16 de junio de 1863 y falleció el 29 de julio de 1898. Es el autor del célebre cuadro Miranda en la Carraca. La presentación del cuadro se hizo el 18 de julio de 1896 en el Teatro Municipal de Caracas en un acto donde el presidente de aquel entonces, Joaquín Crespo, entregó una medalla a Michelena por haber sido ganador de varios premios en Francia poniendo el nombre de Venezuela en alto. En esa época el cuadro fue adquirido por la Nación por la cantidad de 40.000 Bolívares, cantidad muy diferente a los 266.500 dólares pagó un coleccionista en 2004 por el lienzo El niño enfermo en una subasta realizada por Sotheby’s.

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“Michelena pintó el cuadro a los 23 años, y se presentó en el Salón de Artistas Franceses para competir con 3.000 obras procedentes de todo el planeta, cuando ni siquiera hablaba bien el francés”, dice Francisco Da Antonio, director de la Galería de Arte Nacional. “Era un perfecto desconocido que procedía de un país que no constituía ninguna referencia en la materia. Imaginen lo que significó ganar este premio, que además fue entregado por el más brillante pintor del momento, Adolphe William Bouguereau. Como sus escasos recursos pecuniarios no le permiten darse el lujo de pagar una modelo perfecta, ha de contentarse con una a quien le falta un ojo para posar la figura de la madre de El niño enfermo, lo que le obliga a colocarla de perfil. El artista, para consolarse, decía que posaba a la perfección”.

Fuentes | DUPLÁ, Francisco Javier. “ARTURO MICHELENA”, pp. 80 – 81. Biblioteca Biográfica Venezolana, Volumen 57, Editora El Nacional. Caracas, 2007.

Imágenes | Miranda en La Carraca, 1896. Óleo sobre tela de Arturo Michelena. | El niño enfermo, 1886. Óleo sobre tela de Arturo Michelena.

Foto – arte digital | Retrato de Arturo Michelena. Intervenido por Isabel Camacho, 2019.

Imagen| Miranda en La Carraca, óleo sobre tela de Arturo Michelena, 1896.

Armando Reverón

Armando Reverón es considerado uno de los máximos representantes de la pintura venezolana del siglo XX. Nace el 10 de mayo 1889 y en su honor el día del artista plástico venezolano se celebra ese día. Reverón es el perfecto ejemplo de la simbiosis entre genio artístico y locura. Esta unión de factores en Reverón produjo como efecto una obsesión por la búsqueda de la perfección que se vio manifestada en la innumerable cantidad de cuadros realizados además de los objetos creados para que sirvieran de modelo para tal fin. Influenciado por el impresionismo francés, la obra de Reverón capta esa luz enceguecedora del Caribe en los paisajes marinos que pinta en lienzos y bastidores que él mismo confecciona.

El mundo lúdico y artístico de Reveron fue expuesto en la Galería de Arte Nacional en 2007 agrupando una serie de objetos y cuadros creados por el artista además de fotografías tomadas en el desaparecido Castillete en La Guaira. Estos objetos estivieron incluidos una la exposición que se hizo en el Museo de Arte Moderno de Neva York y que ha sido una de las exposiciones más importantes que se han hecho sobre un artista venezolano en el exterior.

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“Y Reverón juega para ser puro. Sí, como los niños que nunca son adultos o como los adultos que siempre llevan consigo el mensaje puro y nostálgico de la primera edad, el pintor era un personaje para el cual el juego tenía singularísima importancia. En el caso de Reverón se aprecia la circunstancia de que en esta época y en todas las que vendrán en el futuro, surgirán juegos o entretenimientos que a la larga le permitirán la captación de nuevas vivencias estéticas. La construcción de objetos para su original mundo, es quizá el juego que más tiempo le consume. Pero es tiempo ganado.

El tiempo que aparentemente perderá en la construcción de un piano de cartón o unas muñecas de trapo, es tiempo que más adelante ganará a través de la transmutación de valores que se observa en su comportamiento. En su constante deseo de jugar y construir  un mundo de objetos personales, fué confeccionando con sus propias manos diferentes utensilios. Al construir todos estos objetos Reverón  mantiene un carácter. Aunque son objetos que, como tales, la mayor parte de las veces no tienen utilidad práctica, sucede sin embargo que en el campo mágico del mundo de Reverón significan importantes hallazgos”.

Armando Reverón nació en Caracas el 10 de mayo de 1889. Hizo primeras letras en Valencia y en 1908 entró a la Academia de Bellas Artes de Caracas, de la cual egresó en 1911 para dirigirse a España. Aquí estudió en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona y en la Academia San Fernando, Madrid. En 1914 pasó seis meses en el norte de Francia y en París, donde tomó contacto con la pintura impresionista. Regresó a Caracas en 1915, para intervenir informalmente en las actividades del Círculo de Bellas Artes, del cual se le considera un representante. En 1919 conoció a Nicolás Ferdinandov, pintor ruso de paso por Venezuela, quien tuvo notable influencia sobre él. Aconsejado por Ferdinandov, Reverón se estableció en Macuto, donde en 1923 comenzó a construir El Castillete, su morada y taller para el resto de su vida. Falleció en mayo de 1954. De su obra se realizaron exposiciones individuales en la Academia de Bellas Artes en 1911 y 1920 y en la UCV, 1921 (con Brandt, Monsanto y el propio Ferdinandov, organizador del evento); Taller Libre de Arte, 1949; Centro Venezolano Americano, 1951; MBA (retrospectiva), 1955. Póstumamente se le han consagrado retrospectivas en el MACC, 1979 y 1989; GAN, 1989 y Museo Reina Sofía, Madrid, 1991. Obtuvo Premio Distinción Sobresaliente en el Concurso de Fin de Año de la Academia de Bellas Artes, 1911; Premio John Boulton en el Salón Oficial de Arte Venezolano, 1948. En 1953 recibió el Premio Oficial de Pintura del mismo Salón.

SANTANA, Emilio. “ARMANDO REVERÓN”. pp 98 – 99. Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes. Caracas, Venezuela. 1967

Foto – arte digital | Armando Reverón con pumpá. Fotografía original de Victoriano de Los Ríos, 1954. Intervenida por Isabel Camacho, 2019.

Land art, arte ecológico y Vik Muniz

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Arte y ecología. Dos conceptos alejados por tantos años, se unen a la luz de los nuevos tiempos en los que el exceso está a la vuelta de la esquina. En esta sociedad moderna que avanza a gran velocidad y donde, según Gay Talese, “la nueva tecnología se envejecía tan rápidamente que siempre estaba al borde de convertirse en una mera contradicción de términos”, existen artistas que dan nueva vida a objetos que otros llaman “desechos”.

Decidí investigar sobre estas corrientes artísticas motivada por la curiosidad de saber qué otros usos podemos darle a los desechos y cómo la visión de un artista puede transformar los materiales de algo sin valor a una obra de arte. Es así como descubrí que existen dos corrientes enfocadas en la naturaleza y el arte: la primera modifica la naturaleza y la segunda transforma los materiales desechados en arte. Luego descubrí a Vik Muniz.

El Land Art, o arte de la tierra, es una corriente artística contemporánea que utiliza la naturaleza, como lo haría un pintor con un lienzo, para realizar una obra de arte. Aunque manipula los elementos de la naturaleza no busca maltratar el medio ambiente sino más bien crear una conciencia ecológica en el espectador alterando, de manera artística, el paisaje para producir el máximo de efectos y sensaciones en el observador.

El artista crea la obra en la naturaleza consciente de su carácter efímero ya que los materiales usados -agua, fuego, piedras, hojas, arena- son biodegradables, y por su ubicación en espacios abiertos tarde o temprano sufrirá por la erosión producida por el viento o el agua. Es de gran importancia en el Land Art que el proceso creativo y la obra final sean fotografiados o filmados debido al carácter fugaz de estas intervenciones.

El land art se diferencia del arte ecológico en que el primero usa la naturaleza como materia prima y el segundo utiliza materiales de desecho para reciclarlos en obras de arte, aunque ambos buscan formar un conciencia del medio ambiente en el espectador. El artista debe adecuarse a las posibilidades que le brinde cada material y crear una obra que resulte estéticamente bella pero con el añadido de ser amigable con el medio ambiente. Los materiales utilizados para una obra de arte hecha con material reciclado transforman su esencia y se mimetizan en lo estético, perdiendo su función utilitaria y sin tener en cuanta para que fue utilizado anteriormente.

Cada vez son más los artistas que se suman a esta tendencia buscando crear conciencia del daño ambiental, del consumo excesivo y darle una segunda oportunidad a todo ese material que, con un poco de creatividad se puede convertir en una obra de arte. Por ejemplo tenemos a Patricio Salinas quien utiliza metales para hacer sus obras, Chris Gilmour que las hace de cartón, Ana Ribarich y su blog Hecho de desechosSean Avery y sus esculturas de animales hechos con discos compactos y Bryan Dettmer convierte libros en esculturas.

Pero en Brasil hay un artista que llevó esto un paso más allá y añadió también el tema social a su obra, se trata de Vik Muniz. Lo descubrí a raíz de su documental Waste Land donde registra toda la experiencia de su proyecto con basura y de su intensión de mejorar las vidas de quienes sobreviven en medio de ella en Río de Janeiro.

Desde mi punto de vista la obra de Muniz agrupa las dos corrientes anteriormente descritas: utiliza materiales de desecho -como en el arte ecológico- que dispuestos de cierta manera dejan de percibirse para la función utilitaria para la que fueron hechos y conforman parte de la obra de arte que, por su carácter efímero -como en el Land art- es inmortalizada por medio de la fotografía. A esto se le añade el aspecto social captado en el documental que complementa la parte artística.

Comparto parte del artículo de la Revista Cromos Vik Muniz, el brasileño que hace arte con basura.

“Vik Muniz convierte la basura en arte. Contrario a los artistas de marras, que recurren al lápiz, al pincel, al óleo o a la acuarela, el brasileño se vale de latas oxidadas, llantas desinfladas, botellas de gaseosa desocupadas y tapas de inodoros desechadas para construir imágenes poéticas y enigmáticas que, vistas desde lejos, parecen creadas por un dibujante cualquiera. De cerca, sin embargo, revelan que fueron armadas por una mente audaz, interesada en reflexionar sobre el poder que tiene el arte para crear ilusiones y el interés del espectador en creer en ellas.

Vik Muniz arte
Vik Muniz arte

Muniz pasó tres años en el vertedero más grande del mundo, ubicado en Río de Janeiro, para crear su serie Imágenes de basura (2008). Allí conoció a un grupo de personas que sobrevivían vendiendo los materiales reciclables que encontraban en el basurero. Era gente que existía en medio de los deshechos de otra gente. Muniz tuvo una idea: cambiar la vida de esas personas con los mismos materiales con los que trabajaban. Tomó fotos de los recicladores en medio del vertedero y luego las reconstruyó utilizando los objetos que ellos recolectaban. Después las fotografió, las enmarcó y las puso a la venta. Uno de los recicladores estuvo presente en la subasta en la que su imagen fue vendida en 50 000 dólares. Al oír la cifra, el humilde joven no pudo contener el llanto. El retrato, que revelaba tanto la dignidad como la desesperación de su oficio, transformaría su vida, ya que todas las ganancias fueron para él y sus colegas. Muniz, embajador de buena  voluntad de la ONU, no solo trabaja con basura. Para él, cualquier material tiene el potencial de convertirse en arte y transformar la manera en que las personas ven el mundo: alambre, hilo, chocolate, tierra, polvo, caviar, diamantes, algodón… La obra de Muniz es tan ingeniosa e insólita que lo ha convertido en uno de los artistas contemporáneos más llamativos de nuestro tiempo. Su trabajo hace parte de colecciones en Nueva York, Washington, Londres, Tokio, Madrid y París, entre muchas otras.”

Actualización junio 2015